domingo, 2 de noviembre de 2008

Ran

Ran by Akira Kurosawa Greenwich Film Productions, Herald Ace Inc. y Nippon Herald Films
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RAN
El Código, el Poder y la Decadencia de la Casta Guerrera

David Cardona

Los samurays, cuyo deber es castigar

a los bandidos y a los ladrones,

no deben imitar el proceder de estos criminales.

Daidoji Yuzan
El Código del Samuray


Un halcón puede estar hambriento pero no tocará el grano

Proverbio Samuray



Uno de los postulados básicos del guerrero samuray proviene de la raíz del japonés antiguo saburau que significa "servir" y saburai, servidor; aunque las referencias primeras al término se encuentran en el Siglo VIII, es posible distinguir entre las primeras alusiones a los sirvientes como tales y las que se refieren a una élite guerrera en especial, cuyos razgos se empiezan a configurar alrededor del Siglo XII a partir de los gunkimono, o aventuras de guerreros configurándose una connotación marcial del término. Los guerreros samuray servían con determinación y fidelidad a sus señores y los intereses que convergían sobre la propiedad y el honor en una sociedad eminentemente feudal. El daimyo o "gran hombre", alude como término al señor que regía el clan o el líder militar nombrado por un shogun o regente, quien representaba el máximo generalato. Con anterioridad al período de los Estados en Guerra, los samurays estaban vinculados al ejercicio de su deber como arqueros a caballo y posteriormente, cuando reina la paz se les identifica como guerreros de espada.


El servicio representa el deber último de la casta guerrera japonesa y como recursos el arco o la espada. A la competencia con la espada se alude con el término bushido y bushi al guerrero que hace uso de ésta. El bushido es básicamente el arte del combate con espada. Posteriormente los bushi, algunos de ellos, como guerreros errantes o ronin, ofrecerían su servicio supliendo las falencias de algunos de los integrantes de los clanes que en algunos casos degeneraban en la preservacion de privilegios por sobre la preservación de la causa. Los ronin o samurays sin linaje, representarían en muchos casos, la preservación de los principios guerreros y aunque también conservaban el linaje de ronin, aspiraban a demostrar sus capacidades y servir a algún señor haciendo parte de su clan. La élite guerrera como casta heredaba por nacimiento la condición de samuray y en muchas ocasiones, los principios y aptitudes de sus miembros se degeneran cuando una adicción al confort y un uso excesivo de la diplomacia para resolver muchos de los asuntos de guerra en la mesa, reemplazan las habilidades y el arte marcial. En la mayoría de los casos la rivalidad entre samurays de casta y los ronin era evidente y aunque en muchas ocasiones los ronin, exhibían condiciones superiores a quienes constituían la élite, no siempre se les admitía por parte de la oficialidad de los clanes, apelando a algún tecnicismo para no permitir el ingreso y conceder así parte de los privilegios obtenidos por nacimiento.
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Transcurre durante el período Sengoku (1467-1615) o de Los Estados en Guerra, el drama de Hidetora Ichimonji, quien abdica de su posición de mando del clan Ichimonji en favor de sus hijos. Las condiciones caóticas en que se desarrolla el usufructo de la propiedad feudal de un señor en un contexto de guerras permanentes no son menos azarosas que las que constituyen el drama familiar del Idetora y sus hijos, quienes se entremezclan en una pugna inclemente por el control y mando del poder y la propiedad legada por su padre. La película se basa en la leyenda del daimyo Mori Motonari y encuentra afinidad en el tratamiento de la deslealtad filial, la vejez, el abandono y la locura en el Rey Lear de Shakespeare; esta no fue la única base literaria de occidente en que Akira Kurosawa soportaría sus películas.

El excesivo confort y la diplomacia indebida o inoportunamente usada, fueron algunos de los factores que contribuyeron a corromper el espíritu guerrero de aquellos samurays que habiendo obtenido el título y los privilegios que correspondían a su casta, hacían parte de generaciones que presenciaban el mal ejemplo y la molicie de quienes recurrían a la paz para así, eludiendo el combate, no exigirse ni física ni mentalmente. Las instrucciones sobre el modo de comportamiento, actitud y competencias del samuray, se han extractado a lo largo de la historia de diversos informes sobre las actividades del guerrero en tiempos de guerra y en tiempos de paz; de las normas internas de los clanes y las antologías de máximas redactadas y registradas por los principales representantes de los clanes. Las Cien Leyes de Takeda Shingen, los Escritos de Ieyasu del shogun Yoshimune o el Código del Samuray de Daidoji Yuzan ejemplifican este tipo de trabajos.

Para Kurosawa, Ran (1985), cuya traducción significa caos o miseria, sería la última de sus producciones épicas y antecedería las tres últimas producciones de su vida, Konna yume wo mita, Sueños (1990); Hachigatsu no rapusodi, Rapsodia en Agosto (1991) y Madadayo, Espera un poco (1992) . Considerada la película japonesa más costosa para la fecha de realización, con un presupuesto de doce millones de dólares, ganaría el Óscar al mejor vestuario a cargo de Emi Wada. Taro, recibe el mando del clan de su padre y sus hermanos Jiro y Saburo que le deben obediencia, terminan haciendo parte de una puesta en escena en que la codicia, la locura, el dolor y la muerte que cruzan los destinos de la familia.


Para el Bushido, "la Vía del Guerrero exige que la conducta de un hombre sea correcta en todos los puntos, puesto que si no existe discernimiento en todos los asuntos no habrá conocimiento de lo que es correcto. Y alguien que ignora lo que es correcto difícilmente puede llamarse a sí mismo samuray. Ahora bien, quien tiene esta comprensión completa se da cuenta de que sus padres son los autores de sus ser y de que él mismo forma parte de su carne y de sus sangre. Y es de la inclinación a exaltar esta parte que somos nosotros mismos de donde surgen a veces asuntos que nos conducen a desairar el propio origen paterno y materno. Esto es falta de discriminación del orden de la causa y el efecto" (Yuzan, 2005, p. 25). Uno de los preminentes del honor caballerezco es el deber filiar pues "no es razonable pensar que una persona que no es filial con sus padres pueda ser leal con su señor. Pues si alguien es incapaz de cumplir con sus deberes filiales hacia sus padres que le dieron la vida, es muy improbable que ofrezca un servicio leal a su señor, que no es un pariente, sólo por pura gratitud" (Ídem). La tragedia familiar y política de Idetora de cierto modo es causa y consecuencia del abandono de principios, valores y deberes elevados; el abandono de la vía del guerrero es el caos y la muerte. Sin embargo las mismas crónicas y registros revelan que casos como éstos, se presentaban en todos los periodos.


Akira Kurosawa nace el 23 de marzo de 1910, cursa estudios de Pintura Occidental en la Doshusa School of Western Painting. Sus primeras películas fueron realizadas bajo el régimen militar y la guerra del Pacífico. Aunque se podrían considerar producciones probelicistas, sus primeras películas, Tora-no-o fumu otokotachi, Los hombres que caminan sobre la cola del tigre, (1945) y en especial Sugata sanshiro, La leyenda del gran Judo (1943), son propuestas estéticas antes que películas propagandistas. Estas películas revelaron la capacidad del director para complacer a un público global distribuido entre americanos ocupacionistas y los japoneses que luchaban contra éstos. Su mayor acerbo está en la facultad creadora que empieza a destellar como anticipación de su producción posterior, "una amalgama, una ágil dialéctica entre las grandes tradiciones compositivas del cine silente y el dinamismo del cine soviético, además de la era dorada de Hollywood" (Mónaco, 1991, p. 310). Heroísmo, ruindad, honor, deshonor, gloria o miseria, son algunos de los dilemas que los personajes de Kurosawa deben encarar.

En Ran, las condiciones en que se desata el drama familiar se explicitan desde las primeras secuencias cuando se advierte la falta de una unidad de dirección y propósito en esta familia del periodo Sengoku; la decisión del padre, la determinación de los combatientes y los efectos de la codicia, no son sólo el detonante de las desgracias, sino también la consecuencia de no ejercer con honor los deberes prescritos por la causa superior y el bien colectivo del clan. Si en algo coinciden muchas de las referencias que sobre el honor samuray existen, es en la importancia de evitar el abandono de la austeridad y la simplicidad. Como parte de una élite guerrera, los samurays tenían una formación marcial que involucraba el conocimiento de algunas artes y de la administración general, lo que implicaba la consideración del trabajo colectivo y la deposición de los intereses personales en aras de la causa superior. En relación con los deberes frente a los mismos combatientes, "aquellos que están siempre luchando por el poder, y cuando los demás son nuevos en el puesto y desconocen sus detalles, carecen de la bondad de corazón para prestarles asistencia y ayuda con el objeto de que funcionen eficazmente, e incluso se regocijan cuando comenten errores, muestran un espíritu mezquino susceptible de toda censura. Esta es la clase de samuray que será capaz de hacer alguna sucia estratagema como volverse contra su propio bando cuando se encuentra en una situación difícil, pero cualquier cosa de este tipo debe ser totalmente evitada" ( Yuzan, 2005, p.73). Así mismo, es posible advertir en Ran, las alusiones a la transgresión de un orden social y marcial por parte de quien debería preservar las formas y el fondo de la tradición de sucesión, como lo es el más anciano, en detrimento del orden natural que deviene del curso de lo establecido.
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A la par con tragedias vividas por Kurosawa como el terremoto de 1923 de Kanto o la Segunda Guerra Mundial, su cine hace referencia a tragedias y dilemas externos e internos al hombre de sus temáticas y la posibilidad siempre existente de asumir la vía del bien colectivo o de una moral superior en ausencia de un Dios que ha dejado discurrir los hechos por la vía del caos. Kurosawa ha sido considerado como "El más occidental de los directores japoneses" por el crítico Donald Richie (Ídem), para quien descolla su estilo sui generis, diferente y absolutamente aportante a la rígida tradición del cine japonés que le precedía. Creatividad, originalidad en su estilo, temas y puestas en escena, tributan en forma y contenido a una obra genial que exhibe la capacidad transcultural para elaborar relecturas de otras fuentes. Al igual que Ran, otras películas también evocan raíces dramáticas o literarias occidentales como Kimonosu-jo, Trono de sangre (1957), a partir de Macbeth, también de Shakespeare; Yojimbo, El mercenario (1961), sobre Cosecha Roja de Dashiell Hammet y Tsubaki Sanjuro, Sanjuro (1962), se estructuraría sobre King´s Ransom, El Rescate del Rey (1959) de Ed Mc Bain, también conocido por el seudónimo de Evan Hunter. Hakuchi, El idiota (1951) adaptación del libro de Dostoyevsky y Donzoko, Los bajos fondos (1957), basada en la obra de Gorky, revelan la gran capacidad intelectual y artística de este genio.

Un uso conciente de los elementos del lenguaje cinematográfico sin precedentes en el cine japonés daría a Kurosawa un lugar preeminente entre sus pares nacionales y sería referente de realizadores de todo el mundo. El uso de más de una cámara para el registro de la misma situación desde varios puntos de vista y los registros a la distancia utilizando lentes teleobjetivo con el fin de preservar la intimidad de la labor actoral en aras de mejores interpretaciones, dan un ritmo estético particular a sus producciones en las que los encuadres de cierto modo aplanados evidencian lo anterior. El uso de recursos como los fenómenos meteorológicos en sus películas o las piezas musicales inacabadas aportan una atmósfera particular a sus secuencias. Del mismo modo, su rigor y determinación en el modo de hacer las cosas, le valieron el apelativo de Tenno, El Emperador. Así, todos y cada uno de los detalles necesarios para llevar a cabo con eficacia la construcción de una secuencia eran preservados desde su labor de director con especial énfasis en la emoción prevista para el producto acabado.

Además de las adaptaciones de obras occidentales y su afinidad con el teatro de Shakespeare, Kurosawa exhibe una gran capacidad frente a los dramas propios de la cultura japonesa y un gran dominio en el montaje dinámico y las aportaciones al cine japonés con largos registros, planos generales y totales, además del movimiento armónico de la cámara. La versatilidad es una de las características de Kurosawa; géneros, periodos, lugares, culturas, confluyen todos en la mentalidad creadora de un humanista íntegro que también es referente para occidente. Con Rashomon (1950), Kurosawa gana el Premio del Festival de Cine de Venecia y el Óscar a la Mejor Película Extranjera. Esta película abriría la exhibición de subsecuentes películas japonesas en los teatros occidentrales e inspiraría otras adaptaciones americanas; The Outrage, protagonizada por Paul Newman y una producción televisiva protagonizada por Ricardo Montalbán. Shichinin no samurai, Los siete samurais (1954), fue imitada por Hollywood con el nombre de The Manificient Seven y A fistful of Dollars se basó en Yojimbo, El mercenario (1961).


Habiendo pasado por un árido transe creativo, Kurosawa se sobrepone a un intento de suicido por heridas autoinflingidas a principios de los años setenta. Con el desarrollo de la coproducción soviética japonesa Dersu Uzala (1975), en la cual se invirtieron cuatro años, gana el Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera en 1975 y la Medalla de Oro del Festival de Cine de Moscú, logro que sería superado con Kagemusha (1980), que ganaría la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Premio de la Academia Británica a la mejor dirección, así como el Premio David de Donatello a la mejor película extranjera. Ran merecería múltiples reconocimientos antes de la realización de sus tres últimas películas.
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Kurosawa fue un verdadero creador y artesano del cine; editaba y supervisaba con rigor el proceso de edición o montaje de sus películas; también seguía de cerca el proceso de desarrollo de sus guiones desde la escritura hasta la puesta en escena. También escribió guiones para otros como Runaway Train, El Tren del Escape (1985) para Konchalovsky. Con un uso particular y controlado de los recursos sonoros y la dedicación a los aspectos dramatúrgicos de sus producciones, Kurosawa daría relevancia a la atención prestada a los aspectos centrales de un director para preservar la tridimensionalidad de las situaciones en sus majestuosas obras. Más allá de todo estilismo o tecnicismo, el conocimiento de ser humano y la afinidad con la narración de sus más íntimas expectativas, evoca aquella frase shakespereana de que "nada humano me es extraño" y como tal, la configuracion de sus personajes correspondería a rasgos que superarían al héroe solitario para dar lugar a un hombre de valores y sueños que de existir, seguramente estaría aportando a la construcción de un mundo mejor y menos caótico. El uso consciente e innovador de los elementos del lenguaje cinematrográfico le reservan un lugar entr los grandes maestros del oficio cinematográfico. Virtuoso y exigente; poderosamente expresivo y altamente versatil, Kurosawa fue uno de los grandes directores que se erigió en una leyenda viviente hasta su muerte, la que le sobrevendría el 6 de septiembre de 1998 mientras trabajaba incansablemente en nuevos guiones.
David Cardona © 2008
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REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
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MONACO, James. The Encyclopedia of Film. 1st ed. New York, Perigee Books. 1991. 596 p.
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YUZAN, Daidoji. El Código del Samuray. 1a ed. Madrid, Edaf. 2005. 126 p.
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LUIS ALBERTO ÁLVAREZ DECÍA:
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"Hoy, en medio de un cine prostituido hasta el límite, resulta casi insoportable la ausencia de Buñuel, uno de los pocos sobrevivientes de la dignidad y del gran arte cinematográfico que nos quedaban. Robert Bresson y Akira Kurosawa están ancianos, si bien no han sucumbido. Entre los jóvenes, low que buscan seguir sus pasos son ejemplares raros y con vida difícilL Ermanno Olmi, Andrei Tarkovski y alguno más. Es una lástima que no haya ya Buñuel, pero es un consuelo que sus películas existan y, lo que es más, que no sean reliquias de cinemateca sino que se sigan mostrando, que sigan entusiasmando a nuevas generaciones."
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REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA:
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ÁLVAREZ, Luis Alberto. “Luis Buñuel 1900 - 1983. La libertad como Fantasma”. Páginas de Cine, Volumen 1. 1ª ed. Medellín, Universidad de Antioquia. p. 257 - 260. 1988.
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VÍNCULOS RELACIONADOS:
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Ran -trailer-
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Yohimbo -sequence-
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Akira Kurosawa from Wikipedia.org, the free encyclopedia.
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Ran from Wikipedia.org, the free encyclopedia.
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Período Sengoku from Wikipedia.org, the free encyclopedia.
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Bushido from Wikipedia.org, the free encyclopedia.
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Daymio from Wikipedia.org, the free encyclopedia.
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Ronin from Wikipedia.org, the free encyclopedia.
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Samuray from Wikipedia.org, the free encyclopedia.
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Shogun from Wikipedia.org, the free encyclopedia.
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Websites Relacionados:
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Advertencia:
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Los contenidos publicados en este Blog parten de una iniciativa libre e independiente como tributo a la memoria de Luis Alberto Álvarez (1945-1996), crítico y realizador colombiano, amigo, mentor y maestro y a su labor en la Facultad de Ciencias Humanas y Económicas de la Universidad Nacional de Colombia sede Medellín. Las opiniones expresadas por los autores de los mismos son de su expresa responsabilidad y no comprometen a las instituciones relacionadas. Se preservan todos los derechos de los materiales usados y citados en este sitio y se espera un trato equivalente para con los mismos. Se aspira así, a contribuir a la difusión de una cultura fundamentada y objetiva de la apreciación, crítica, historia y realización del cine, en especial para las y los jóvenes de la ciudad de Medellín, Colombia y las audiencias globales que con respeto y atinencia a los derechos y garantías que corresponden a los contenidos digitales de conformidad con las normas y regulaciones internacionales, deseen hacer uso de los mismos.
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Cordialmente,
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David Cardona
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Los Niños Invisibles

Rafael y sus amigos en Los Niños Invisibles de EGM Producciones Ltda.

LOS NIÑOS INVISIBLES
La Imágenes y Los Textos en una Obra para ser Vista en un País Eminentemente Hablado

David Cardona
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"En su soledad, Fernando descubrió que la media noche
era un horario maravilloso de cuyo esplendor se había
perdido los ocho años de su vida por haber estado acostado
y dormido. Descubrió también que los muertos eran
gente tranquila e inofensiva y se entró al cementario."
Los Niños Invisibles


En Colombia, el cine como posibilidad de una producción cinematográfica nacional siempre ha adolecido de la falta de imágenes que representen la mirada real que sobre la nación se pudiera hacer. El cine, como industria inexistente por demás, ha atravesado momentos que han sido identificados y caracterizados en múltiples estudios o referencias que se han realizado desde ejercicios de crítica o literatura ejercida con tal fin. La ficción que en muchos casos termina evocando situaciones y desarrollos macondianos sigue configurando muchos de los imaginarios que como espectadores tienen los colombianos y el argumental suele ser comparado con una supuesta realidad, como correspondía a las épocas marcadas por la censura; cuando ésta impedía la exhibición bajo el argumento de una "realidad falseada". Del mismo modo el público, incurso en una cultura cinematográfica estereotipada y estereotipante, aprueba y desaprueba el valor de las películas en la medida de la cercanía con las imágenes que se le han vendido como reales.

Estos hechos han marcado la mirada de un público que aún no encuentra una evolución sustancial en las obras de sus compatriotas ante la incapacidad de una industria cinematográfica nacional que nunca ha existido; ni desde las teorías, ni desde la práctica y ni siquiera desde un diagnóstico de sector aún después de la promulgación de la Ley del Cine en 2003. Ni las imágenes están; los referentes visuales tampoco; los diagnósticos sobreabundan y los clichés son usados en los mejores de los casos para comunicar texto con imágenes a un público sin cultura de la apreciación cinematográfica. Éste, el público, no encuentra referentes que le insten a disfrutar sino de productos extranjeros en detrimento de una producción nacional que adolece de su falta de respeto y fascinacion.


Nacido en 1943, Lisandro Duque Naranjo ha realizado Los Niños Invisibles (2001), una película con una buena dicción sobre un episodio en la vida de tres niños de provincia en la Colombia de los años sesenta. Contando con su experiencia a lo largo de una vida dedicada al cine y la televisión como formas de producción que han estado vinculadas a modelos resultantes de procesos desarticulados de los años sesenta, setenta y anteriores, logra un producto que se puede considerar como consistente y entretenido. Para la primera mitad de siglo y los periodos inmediatamente subsiguientes del cine nacional, éste se caracterizó por la falta de creatividad, la mentalidad imitadora y las deficiencias técnicas. El director logra una obra interesante y más que ello, con la capacidad de capturar la atención del público. Es ésta una obra que merece destacarse de entre otras producciones nacionales que evidencian explícitamente la falta de identidad con una realidad a la que aluden y adolecen de la ausencia de una dramaturgia y la precariedad para construir contextos. Milagro en Roma (1988), Visa Usa (1985) y El Escarabajo (1981), serían los tres largometrajes que precederían a Los Niños Invisibles dentro de una producción de más de veinte trabajos para el cine y la televisión colombiana por parte del director.


Transcurre en Ambalema, Tolima, durante la primera mitad de la década de los años sesenta, la trama central de la obra que a diferencia de otras películas colombianas, goza de un nivel considerable de dramaturgia y contexto; pero que se desarrolla aún con mucho apego a la tradición fílmica basada en díálogos que ha caracterizado la mayor parte de las producciones colombianas hasta los días presentes. Tres niños son vistos a través de la narrativa de un director emanado de una tradición de producción nacional y los describe desde un orden de códigos convencionales en la aventura que emprenden y que relata en retrospectiva de primera persona el personaje central.

Si bien el argumento de la película es entera y eminentemente colombiano y la locación geográfica y temporalmente identificada sin recurrir al abuso de los paisajes como en muchas otras producciones, el recurso de los diálogos de la narración central en primera persona de quien evoca los episodios y de los personajes principales, dan contexto al año en que la radio transmite el reinado de belleza de Amalia Navarrete, el ataque al corregimiento de Aures por parte de la insurgencia y las proezas del cuatro veces campeón de la Vuelta a Colombia en Bicicleta, Ramón Hoyos. Palabras son todas éstas, al igual que las de los diálogos, las que saturan de texto la película, lo que seguramente hace parte del constructo que el director aduce como necesario para acceder a un público en un país con una tradición basada en lo hablado por sobre otras formas de interacción cultural como lo son las imágenes.

Un Colombia rural que sigue sin ser contada más allá de las imágenes que los colombianos se han vendido de sí mismos y entre sí mismos, es la que se estructura desde lo evidencial de la película. "Lo que nos diferencia de un animal como éstos es el alma", observa la madre al niño mientras prepara las vísceras y la carne en una película que introduce al espectador para recibir un tipo de personajes bien conocidos, precisamente por los antecedentes que de la imagen de la provincia colombiana en la figura de pueblo, han hecho otros desarrollos. La anticipación de la adolecencia, las constataciones de los temores de los adultos o la pulsación de lo sexual; así como la percepción de las relaciones de poder que tocan a la infancia, entre otros temas, pareciera que se conjuran como hecho fílmico en una serie de anécdotas comunes a un pueblo que como espectador de sí mismo, se puede reconocer en todo lo que suelen decir de él desde el convencionalismo.


Es posible afirmar que temáticas como éstas, desde la perspectiva de maestros como Truffaut, Fellini, Vigo; o más cercanamente, Gaviria en La Vendedora de Rosas así como Alejandro Gonzalez Iñarruti en Babel, entre otros, contrastan de plano con la propuesta de que se vale un director para contar una historia sobre ese rincón evocado que es la infancia, como lo hace Lisandro Duque. Lo que cuentan los personajes puede ser lo que el director quiere contar, pero los personajes que están al servicio de un entramado de códigos cotidianos para una narración lineal, no alcanzan a universalizar el eventual propósito o aspiración de comunicar sobre la infancia, sus ilusiones y temores más allá de una historia que fluctúa entre lo popular y lo fantástico.
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Los Niños Invisibles es una película sobre niños, pero que no llega a comunicar mucho sobre la infancia como temática; retoma elementos más que conocidos, para un contexto en el que la política con rasgos de violencia, la televisión como alternativa masiva y sobre todo, la superstición y el temor de los adultos, ambientan el desarrollo de un guión cuyas imágenes se apoyan en los diálogos que aluden a un momento histórico de Colombia como nación. Como tal, esta realidad no alcanza a afectar mayormente la vida de los personajes centrales más allá de lo circunstancial que aporta el advenimiento de realidades sociales que se narran por el radio o la televísión, así como en la voz de personajes como el barbero del pueblo o una que otra imagen macondiana como la de los viejos que juegan cartas mientras son registrados congelados ante la mirada de Rafael, el niño protagonista; los padres son el resultado de la más convencional de las dramaturgias que funge como código universalizante que se apoya en formas y modos ya usados en otras películas de modo recurrente.
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La mayoría de los hechos contextualizantes no devienen de las imágenes sino de los textos que llegan en forma de diálogos o emisiones mediáticas dentro de la trama. Fotográficamente no se transmite nada excepcional en la película aunque la calidad de la imagen es destacable en comparación con otros productos del inventario cinematográfico nacional; la tecnología no lo es todo y este logro sensible en comparación con otras producciones del mismo autor, como El Escarabajo, no suple la recurrencia de ciertos elementos ya identificables en otras producciones nacionales.

Sobre lo estructural, se puede decir que una película como ésta, permite al director optar por dos niveles de tratamiento de la realidad: uno como un realismo de corte popular y otro de corte mágico. Lo evidencial de la imágen durante los primeros diez minutos sugiere la evocación a lo mágico cuando la fuerza del pensamiento de Fernando hace que su vecina y la madre de ésta, sientan su presencia cuando están en casa ocupadas en sus labores y separadas del niño, lo suficiente para que el fenómeno sea atribuible a cierto mesmerismo que evoca algo como la "magia de los niños"; del mismo modo, las imágenes que acompañan las conclusiones finales del personaje narrador frente a su teclado operado por un ser invisible, contradicen la ineficacia de un conjuro que no se realizó según lo recetado, pero que ahora inexplicablemente ha tributado el don de la invisibilidad al narrador. Estos sucesos merecen ser mencionados en la medida en que son otras las circunstancias, las que permiten explicar la cándida confusión que sufren los tres niños al dar cabida a la posibilidad de la invisibilidad del líder de la idea.

Bien pensadas son las circunstancias que conspiran para que se asuma como efectiva la fórmula del conjuro y bien dosificados los hechos que permiten explicar por qué ocurre esto, así que el ceder ante la opción de poner en duda lo que las imágenes evidencian, en favor de un giro hacia lo fantástico es un exceso lamentable al que se rinde el director, tal vez para crear un efecto sobre un público que conoce muy bien; pero que en modo alguno puede negar la contradicción temática frente a la evidencia de lo narrado. Pasa lo mismo con los viejos jugadores de cartas, congelados ante la mirada de Rafael; Cualquier giro emocional eventualmente inducido en el público es un exceso que por efectivo, no se exime de ser categorizado como una aspiración de eficacia en la recurrencia de un realismo popular y de un realismo fantástico innecesario, en pro de ganar el favor de un público por vías harto conocidas en el cine colombiano.

Una película adorable por la fuerza de los roles de los personajes centrales y como producto de la cinematografía nacional, entretenida y sencilla; pero sobrecargada de textos que pretenden suplir una exigencia que frente a la imagen era perfectamente posible emprender sin dualidad alguna. Sin llegar a los extremos del paisajismo por sobre la dramaturgia, se hubiera podido expresar y desarrollar más contexto desde una fotografía que en últimas se apoya más de lo debido en textos cuando podía ser lo contrario. Un director experto que hace una apuesta por un realismo popular bien logrado de no ser por que cede a la posibilidad de un realismo mágico innecesario es un hecho que resta seriedad a la propuesta de Los Niños Invisibles y que no es consecuente con lo evidencial de las imágenes que se hubieran podido articular de un modo absolutamente efectivo y sin dualidad alguna.

Ganadora de siete premios entre nacionales e internacionales; entre ellos el Primer Premio a la Mejor Película Colombiana en el Festival de Cine de Cartagena 2002, así como en el XVIII Festival de Cine de Bogotá; también ganadora del Premio especial del jurado en el VI Festival Internacional de Cine para la Infancia en Montreal, entre otros, Los Niños Invisibles se constituye en la obra de un director maduro que puede hacer de un guión un producto consistente a partir de una dicción eficaz que sin menoscabo de su respetabilidad, sigue evocando los rasgos del cine colombiano de siempre; los mismos que constituyen el acebro del que goza la cinematografía colombiana, sin aportar nuevas evoluciones al cine como lenguaje ni como arte.

Hablando de cine colombiano, pueden haber más películas; pero no hay miradas y las imágenes son dispersas y amañadas muchas de ellas; sólo caricaturas y esbozos de una realidad no penetrada o que no interesa impregne a los realizadores y mucho menos a los actores de una nación sin historia cinematográfica, más allá de la realización conciente de unos pocos. La historia de un país sin estudios cinematográficos como antecedente y con una televisión que no se ha arriesgado a hacer uso de una gramática cinematográfica en sus productos, ni a darle salida a obras cinematográficas de colombianos, son hechos que cuentan a la hora de sopesar las acciones para salir del atraso que deviene de la falta de una política estatal racional en favor de los realizadores.
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El modelo actual no trasciende de modo definitivo, la promoción de esquemas que favorecen la producción como objetivo de una mera ejecución presupuestal de unos fondos que se distribuyen cada año entre las películas que compiten por los mismos. "Esta clase de cine puede llegar a obtener al menos por un tiempo, un consumo más o menos intenso por parte del público. Consumo, no acogida real como se consume un sainete televisivo con dos o tres risas y dos o tres sorpresas. El público va a ver esta películas movido por un afán muy legítimo, el de buscarse a sí de alguna manera. Y ese público termina por aceptar un espejismo: búscándose a sí mismo encuentra sólo la imagen familiar y casera que la televisión le ha dado de la realidad y la acepta, convencido de haber encontrado la propia imagen. Algún día sabrá distinguir" (Álvarez, 1988, p. 10). Estas palabras de Luis Alberto Álvarez aludían a reflexiones sobre el fomento de la producción cinematográfica nacional y el público al que se dirigen sus producciones y en cierto modo siguen vigentes por cuanto el esquema de distribución y sus respectivos índices de asistencia han sido el criterio de valoración de una obra y lo que en muchos casos hace que los directores recurran a la opción de "encender velas a Dios y al Diablo", por usar una expresión que Luis Alberto Álvarez usaría en relación con otra obra de Duque, El Escarabajo y la pretención en pro de una supuesta estética latinoamericana. Con respecto a esta película, Duque admitiría que "los diálogos están estrictamente unidos a las gentes y a su idiosincracia y que es imposible inyectar gestos y modos de hablar en alguien que proviene de un mundo muy diferente." (Álvarez, 1988, p. 45). La fórmula aludida, parece ser usada de nuevo en una película adorable como Los Niños Invisibles; pero sin mayores aportaciones fotográficas, precisamente por dar prevalencia a la mismo viejo recurso.

Del mismo modo, los realizadores siguen trabajando aisladamente, dejando a un lado la formulación de estrategias conjuntas en pro de acopiar la inagotable reserva en imágenes que esperan a ser capturadas en las metrópolis y en las zonas rurales de Colombia de un modo sistémico y metódico que parta de la elaboración juiciosa de un guión técnico y la ejecución eficiente de presupuestos sin dejar de lado las propuestas estéticas que se suponen subyacen a tan gran emprendimiento como es toda obra cinematográfica. Así, es posible visionar que la dinámica del cine nacional sigue apuntando a la hechura de películas, muchas de ellas soportadas en un modelo ejecucionista con los dineros públicos en nombre de una cinematografía nacional inexistente. Los indicadores de éxito se los pueden llevar los fondos de apoyo en la medida en que proveen medios para hacer películas, pero el deleite del público y el placer estético en torno al cine nunca podrá ser subsidiado aunque se le pagara a la gente por ir a las salas. Es necesario que se den las condiciones para que la estética y la factura sean un factor común y cotidiano en la producción de películas colombianas con o sin los subsidios estatales.
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david cardona © 2008
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Referencias Bibliográficas:
ÁLVAREZ, Luis Alberto. “En contra de lugares comunes. El cine colombiano y la crítica”. Páginas de Cine, Volumen 1. 1ª ed. Medellín, Universidad de Antioquia. pp. 5 - 11. 1988.
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ÁLVAREZ, Luis Alberto. “El Escarabajo. En busca de lo popular”. Páginas de Cine, Volumen 1. 1ª ed. Medellín, Universidad de Antioquia. pp. 43 - 45. 1988.
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Luis Alberto Álvarez decía:
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"El hecho de Colombia sea un país "hablado" está en la raíz de muchos de sus problemas. Uno de ellos, por supuesto no el más trascendente, ha sido la imposibilidad, a través de poco menos de un siglo, de conformar una verdadera cinematografía nacional. La necesidad de apoyarse en las palabras, en la retórica, la profunda desconfianza frente a lo visual, la ceguera frente a las imágenes vitales, estimulantes que nos rodean, le ha puesto una perpetua zancadilla a una memoria óptica coherente, fluida, a una imagen nuestra en el espejo que nos dé los accesorios, tranquilizantes o inquietantes reconocimientos de cada día. Uno de los hechos más absurdos de esta situación es que, algo tan etéreo e inaferrable como el cine colombiano pueda producir continuamente tantos ríos de papel entintado. Hay siempre artículos, libros, análisis, conferencias, miles de millones de palabras que están en completo desequilibrio con la cantidad y, sobre todo, con la calidad de las imágenes a las que en ellos se hace referencia. Una y otra vez se realizan simposios, encuentros, debates, sobre un cine que la gran mayoría no conoce ni está interesado en conocer, sobre un interminable paquete de esbozos, de intentos, de arranques, de recomienzos sin cuajar, de actos fallidos." (Álvarez, 1998, p. 51).
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Referencia:
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ÁLVAREZ, Luis Alberto. “Reflexiones Desordenadas. La perspectiva de la región en el cine colombiano”. Páginas de Cine, Volumen 3. 1ª ed. Medellín, Universidad de Antioquia. p. 51 - 67. 1988.
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VÍNCULOS RELACIONADOS
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Lisandro Duque from Wikipedia.org, the free encyclopedia
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Lisandro Duque from cinelatinoamericano.org
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Cine de Colombia from Wikipedia -the free encyclopedia-.
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Websites Relacionados:
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Corporación Creemos
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Los contenidos publicados en este Blog parten de una iniciativa libre e independiente como tributo a la memoria de Luis Alberto Álvarez (1945-1996), crítico y realizador colombiano, amigo, mentor y maestro y a su labor en la Facultad de Ciencias Humanas y Económicas de la Universidad Nacional de Colombia sede Medellín. Las opiniones expresadas por los autores de los mismos son de su expresa responsabilidad y no comprometen a las instituciones relacionadas. Se preservan todos los derechos de los materiales usados y citados en este sitio y se espera un trato equivalente para con los mismos. Se aspira así, a contribuir a la difusión de una cultura fundamentada y objetiva de la apreciación, crítica, historia y realización del cine, en especial para las y los jóvenes de la ciudad de Medellín, Colombia y las audiencias globales que con respeto y atinencia a los derechos y garantías que corresponden a los contenidos digitales de conformidad con las normas y regulaciones internacionales, deseen hacer uso de los mismos.
Cordialmente,

David Cardona
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La Composición Cinematográfica -Taller-

Eisenstein / toma fotográfica del blog personal de blogchevique (*)

CÓMO SURGIERON MIS ARTÍCULOS
Sergei Eisenstein


Traducción del inglés: David Cardona


El cine es sin lugar a dudas la más internacional de todas las artes. Y no propiamente porque las películas hechas en diferentes países sean exhibidas por todo el mundo sino principalmente, porque con sus técnicas a prueba y crecientes logros, el cine puede establecer un contacto internacional directo con el pensamiento creativo.
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Hasta ahora en la primera mitad de siglo de la existencia del cine, sólo una insignificante parte de sus inagotables recursos han sido utilizados. No me malinterpreten por favor. No estoy hablando de qué ha sido hecho, que en gran proporción es verdaderamente excelente. Hasta donde el contenido alcanza, el primer lugar pertenece a la impetuosa corriente de nuevas ideas y nuevos ideales de la victoriosa Revolución de Octubre. Estoy hablando de qué podría haber sido hecho y qué pudo hacer el cine por sí sólo. Me refiero a esas cosas particulares y únicas que pueden ser hechas y creadas solamente en el campo del cine.
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El problema de la síntesis de las artes, una síntesis realizable en el cine, no ha encontrado su plena solución hasta ahora. Y mientras tanto nuevos problemas están apareciendo en cantidades crecientes. Tan pronto hemos dominado la técnica del color cuando tenemos que enfrentar los problemas del volumen y el espacio, aportados por el cine estereoscópico que difícilmente sale de sus pañales. Entonces ahí está el milagro de la televisión -una realidad viviente mirándonos a la cara, lista para anular la experiencia del cine silencioso y sonoro, el cual no ha sido asimilado plenamente. Ahí el montaje, por ejemplo, no era mas que una secuencia (más o menos perfecta) del curso de eventos como vistos y creativamente reflejados a través de la conciencia y emociones de un artista. Aquí será el curso de los eventos por si mismos presentados en el momento de ocurrencia. Éste será el asombroso encuentro de dos extremos.
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El primer eslabón en la cadena de desarrollo de formas de histrionismo es el actor, el mimo. Comunicando a su audiencia las ideas y emociones que experimenta en ese momento, el aferrará su mano al exponente de la más elevada forma del futuro histrionismo -la mágica televisión- que como un flash usará con toda experticia los ojos de la cámara y ángulos para captar la atención de los poderosos millones de expectadores con su artística interpretación de un evento tomado en ese preciso momento. ¿No es esto probable? ¿No es esto posible? ¿Puede no ser en la era en la cual el radar nos trae ecos desde la luna y los aeroplanos surcan la cúpula celeste a la velocidad del sonido?
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En la cima de la guerra soñamos que cuando la paz llegó, la humanidad victoriosa usaría sus energías liberadas para crear nuevos valores estéticos, para alcanzar nuevas cumbres de cultura. La paz largamente esperada ha llegado. ¿Pero qué vemos? Los atomaniacos, ebrios con el éxito de su destructivo juguete, están desviándose lejos y más lejos de los ideales de paz y engendrenado un militarismo que es aun más aterrador que el más recientemente derrocado ídolo de los facistas enemigos del hombre y los oscurantistas.
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La Unión Soviética y los progresistas hombres y mujeres en todo el mundo están demandando verdadera cooperación democrática internacional. Los malvados enemigos de la paz están haciendo todo para inducir a la humanidad a un nuevo holocausto, al homicidio y al fratricidio. Por eso ahora, como nunca antes, las naciones de el mundo deben esforzarse en aras e la unidad y el entendimiento mutuo.
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El cine tiene cincuenta años de edad. Tiene grandes posibilidades que deben ser usadas tal como en la era de la física moderna el átomo debe ser usado para propósitos pacíficos. Pero cuán supremamente poco ha logrado la estética mundial en el dominio de las potencialidades del cine. No es debido a la falta de habilidad o entusiasmo. Es debido al conservatismo paralizante, a la rutina, al "escapismo" estético ante lo nuevo, problemas sin precedentes que se van sumando por cada nueva fase en el rápido desarrollo de la cinematografía. No hay razón para sentir miedo de esta avalancha.
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Nuestra tarea es acumular e incrementar sin descanso la experiencia de las épocas pasadas, tan bien como podamos para que armados con esta experiencia, nos apuntemos nuevas victorias en nuestro avance. Pero debemos tener siempre presente que es el profundo significado ideológico del tema y el contenido que es y siempre será la base verdadera de la estética y eso asegurará nuestro dominio sobre nuevas técnicas. Los constantemente nuevos medios de expresión servirán como medio para una más perfecta personificación de elevadas formas de mirar el mundo -las elevadas ideas del comunismo-.
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Permanente cuidado para preservar cada grano de experiencia colectiva, por tiempo que se pueda tener, el deseo ardiente de hacer cada nuevo concepto en cinematografía, la propiedad de todos quienes creamos en este arte, son la razón por la que para nosotros, los trabajadores soviéticos del cine, estemos hablando con franqueza de todo eso que estamos buscando, todo lo que hallamos, y todo a lo que aspiramos - haciéndolo no sólo a través de películas sin también a través de artículos y tratados.
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Así es como surgieron mis artículos. En los selectos artículos compilados con el nombre de Notas de un Director de Cine, artículos escritos durante varios años y en varias ocasiones, he estado movido por sólo un deseo: ayudar a los realizadores a dominar todas las potencialidades del cine. Este deseo debe motivar a todos aquellos que son lo suficientemente afortunados para crear en esta singularmente bella y sin precedentes, arte. A diferencia de aquellos que celosamente guardan sus "secretos" atómicos, nosotros, realizadores rusos, cooperando de cerca con todos nuestros amigos, continuaremos compartiendo los secretos aprendidos sobre los años, desde que nuestro maravilloso arte surge, para adelantar nuestra causa común.
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La idea de la paz universal no puede ser estrangulada por el narcisismo y el egoísmo individual de países que están preparados para sacrificar el porvenir por todo para satisfacer su insaciable codicia. La más progresista de todas las artes -el cine- debe estar al frente de las categorías para este propósito. Puede mostrar a las naciones el camino de solidaridad y unidad que ellas deben tomar en aras del progreso. Estos son los sentimientos rebozantes en mi pecho, cuando preparo para la publicación la colección de artículos escritos en diferentes épocas y lugares.
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Hay mucho que puede estar desactualizado. Mucho ha sido sobrepasado. Mucho ha sido superado. Mucho puede ser de puro interés histórico, sirviendo como referentes en la vía al progreso durante los agitados años de búsqueda cinematográfica. Tomados mis artículos en su integridad, espero afectuosamente, que constituirán un amplio peldaño en la escalera de la experiencia cinematográfica colectiva, en la cual el cine soviético -campeón de los más elevados ideales- está ascendiendo desafiando y a pesar de todos aquellos quienes arrastrarían a las naciones del mundo de regreso al caos del conflicto y la esclavitud.
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Sergei Eisenstein
Moscú, Agosto 1946.
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Traducción del ingles:
David Cardona ©© 2008

Referencia Bibliográfica:

EISENSTEIN, Sergei. Notes Of a Film Director. 1st Edition. New York, Dover, 1970. 236 p.
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LA COMPOSICIÓN CINEMATOGRÁFICA. Principios, Generalidades y Apuntes.
PRESENTACIÓN -PPT format-
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Aviso importante:
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Esta presentación es un material de exclusivo apoyo a la conferencia del mismo nombre y el modo alguno suple el contenido de ésta. Se preservan todos los derechos de los materiales usados y citados en está y se espera un trato equivalente para con los mismos. Se aspira así a contribuir con la difusión de una cultura fundamentada y objetiva de la apreciación, crítica, historia y realización del cine, en especial para las y los jóvenes de Medellín, Colombia y las audiencias globales que con respeto y atinencia a los derechos y garantías que corresponden a los contenidos digitales de conformidad con las normas y regulaciones internacionales, deseen hacer uso de los mismos.
Cordialmente,
El Autor & The blUElIzArd OpEn rOUnd tAblE Group
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VÍNCULO COMPLEMENTARIO:
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(*) Photo taken from:
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Luis Alberto Álvarez decía:
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"lo más importante de parte del director es la concentración en los personajes, la tridimensionalidad de las situaciones" (Álvarez, 1988, p. 34).
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REFERENCIA:

ÁLVAREZ, Luis Alberto. “Pura Sangre. La fascinación con la subcultura" Páginas de Cine, Volumen 1. 1ª ed. Medellín, Universidad de Antioquia. p. 357 - 361. 1988.
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Websites Relacionados:







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Reconstruction

Maria Bonnevie as Aimee & Nikolaj Lie Kaas as Alex David in Reconstruction by Palm Pictures

RECONSTRUCTION

Si quieres contar una historia de pasión desenfrenada,

y de amor joven tienes que hacerlo mientras eres joven todavía

Christoffer Boe

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From the movie trailer.
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David Cardona
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martes, 19 de agosto de 2008

Deseando Amar

In The Mood for Love by Wong Kar-Wai
Block 2 Pictures Inc. / Paradis Films present a Jet Tone Production


DESEANDO AMAR

La Vida, el Amor y la Memoria Ante La Posibilidad de Amar
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David Cardona
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For Priscila at working or dreaming
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Esos tiempos pasaron; todo lo que había desapareció.
El recuerda esa época pasada como si mirase
a través de un cristal cubierto de polvo.
El pasado es algo que se puede ver pero no tocar
y todo cuanto se ve está borroso y confuso.
Wong Kar-Way


La descollante figura de Wong Kar-Way y su trabajo como suma de conceptos, corresponde a una carrera en la que el director nacido en Shangai en 1958, ha dejado una impronta narrativa en la que lo unversal y los códigos particulares, estructuran toda una propuesta estética única y diferenciada. Al igual que muchos de los inmigrantes llegados a América que se insertaban en las salas de proyección ante la brecha idiomática a principios del siglo pasado, Wong Kar-Wai pasaría de niño muchas horas inmerso en las salas de cine de Hong Kong una vez llegó allí de Shangai desde cuando contaba con sólo cinco años de edad.

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Graduado en 1980 como diseñador gráfico de la Universidad de Hong Kong, Wong Kar-Wai pasaría por el proceso de producción filmográfica en calidad de guionista después de haber llevado a cabo un proceso formativo en el canal TVB, el mismo en el que se desarrollaría el trabajo de la también directora Ann Hui. A su labor de guionista, se sumaría la experiencia de trabajar también como director para The Wing Scope Co. y para la In-gear Film Production Company, de propiedad del actor y productor Alan Tang Kwong-Wing, quien en los años sesenta fuera considerado uno de los mejores actores de Hong Kong por las revistas de cine. De 1982 a 1987 escribiría diez guiones de buena factura de entre los cuales él mismo destacaría Final Victory, Victoria Final (1986), para el director Patrick Tam.
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Es con Alan Tang con quien Wong Kar-Wai desarrollaría la dirección de las películas As Tears Go by (1988) y Days of Being Wild (1990), su segunda película que a la vez sería un fracaso financiero. Se repitiría esta situación con Ashes of Time (1994), la que se enfrentaría a otro fracaso de taquilla; el mismo año sería reconocido por Tarantino y Cahiers du Cinema como un director chino destacado en occidente por su Chungking Express. Realizaría posteriormente Fallen Angels (1995) y Happy Together (1997), la que le valdría ser el primer director chino en ganar la Palma de Oro en Cannes. Emprende la realización de In the Mood for Love, Deseando Amar (1990) y posteriormente realizaría el cortometraje The Follow (2001) y el videoclip Six Days (2002), antes de 2046 (2004) y el segmento de La Mano en Eros (2004) para abrir el Festival de Cannes de 2007 con My Blueberry Nights.
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El trabajo para la televisión y la escritura de guiones han ocupado gran parte de la trayectoria y vida de Wong Kar-Wai y la labor de dirección la realiza contando con grandes aportaciones de las aptitudes actorales de sus dirigidos, en la medida en que no suele apoyarse en guión al igual que el legendario Mike Leigh. Maggie Cheung Man-Yuk personifica a Su Lizhen y Tony Leung Chiu Wai a Chow Mo Wan, quienes comparten algunos momentos de su cotidianidad, una vez se han instalado con sus respectivas parejas en una casa de huéspedes del populoso Hong Kong de la primera media década de los años sesenta. Del mismo modo en que el autor prescinde del guión, sorprende la dramaturgia de la narración y el estilismo de las composiciones que ratifican la impronta estética de su obra.
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Wong Kar-Wai en esta obra, da cuenta del uso de elementos compositivos en los que predominan los planos compuestos y sobreencuadres que contribuyen a desarrollar una atmósfera que hace sinergia con el performance de los actores principales en torno al reducido y saturado espacio en donde se desarrollan las acciones. La iluminación y los colores, así como las perspectivas y primeros planos en los que se acentúa el objeto de atención mediante la profundidad de campo, dan cuenta del intimismo creciente que se desarrolla entre los personajes centrales.
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El uso eficiente de puntos de vista y perspectivas, permiten sugerir la continuidad de los espacios físicos y la evolución del tiempo que determinan el universo espacio temporal de la película. Estos factores asociados a la puesta en escena, al igual que el trabajo con los actores principales, evidencian que para esculpir con contenido y luz la obra cinematográfica, "lo más importante de parte del director es la concentración en los personajes, la tridimensionalidad de las situaciones" (Álvarez, 1988, p. 34). La excepcional musicalización nativa y el ascendente occidental de las canciones de Nat King Cole evocan la romántica aspiración por consolidar una relación que trascienda la cotidianidad de la casa de huéspedes mientras se desarrollan los hechos sobre los que hablarán y compartirán opiniones ambos personajes, tales como las vidas de sus respectivas parejas.
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Las secuencias rodadas en exteriores también evidencian un trabajo profundo al servicio del pasaje central de la historia y así, los sugestivos recursos que suele utilizar el director, tales como la estructuración de secuencias con tomas parecidas en locaciones diferentes o la composición de tomas con puestas en escena ligeramente modificadas en el maquillaje, vestuario o la iluminación, denotan en primer lugar el uso conciente de elementos del lenguaje cinematográfico y en segundo lugar, la aspiración estética que trasciende la simple intención comunicativa que subyace al pegado de dichos elementos en el proceso de montaje. De hecho, la denominación de poeta de la imagen que se le atribuye y el trabajo con su inseparable director de fotografía, el australiano Christopher Doyle, hace de Wong Kar-Wai un director eficaz en su trabajo y con un acerbo notable que deviene de su experticia de guionista consumado que ha sido.
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La fuerza de la historia que se desarrolla en un periodo narativo de tiempo considerable en la película y la evolución de los sucesos que evidencialmente la constituyen, imponen a ésta un ritmo y cadencia complementados con una banda sonora muy apropiada para el tema central de la misma y que al igual que el título original, "La magnificencia de los años pasa como las flores", alude a la brevedad del tiempo y la pulsación de la atracción física y emocinal que puede haber entre dos adultos. Representa esta película, todo un hito que prevalecerá en la urdimbre temática y estética que involucra a The Days Of Being Wild y a 2046. Considerar el renombre de Wong Kar-Wai representa dar una mirada a un artista y artesano, que sustenta la denominación de poeta de la imagen de que se le ha dado.
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David Cardona ©© 2008
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REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
ÁLVAREZ, Luis Alberto. “Pura Sangre. La fascinación con la subcultura" Páginas de Cine, Volumen 1. 1ª ed. Medellín, Universidad de Antioquia. p. 357 - 361. 1988.
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Luis Alberto Álvarez decía:
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"En el año 101 -de la invención del cinematógrafo- se hace mucho cine en el mundo. Se hace en países que mucha gente casi no identifica: en Burkina Faso y Benin, Montenegro y Tadjikistan, se hace en Latinoamérica y en Australia, en Europa y Asia, en cinematografías de tradición y en países sin experiencia en el medio. En el año 101 las salas de cine son mucho menos que antes pero las películas que se ven día tras día son muchísimas más que nunca. Canales enteros de televisión por antena, por suscripción, casetes y discos láser difunden productos antiguos y recientes en horarios y situaciones antes impensables para el cine. Hoy en día no sólo es posible ver en su casa Asesinos por Naturaleza sino también las películas inglesas del siglo XIX de Cecil Hepworth, la versión restaurada de L´Atalante de Jean Vigó o los pornos realizados en los últimos años de su vida por el inenarrable Ed Wood. No hay caso, pues, de hablar de muerte del cine." (Álvarez, 1998, p. 42).
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Referencia:
ÁLVAREZ, Luis Alberto. “El Futuro del Cine”. Páginas de Cine, Volumen 3. 1ª ed. Medellín, Universidad de Antioquia. p. 42 - 45. 1998.
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VÍNCULOS RELACIONADOS

In The Mood for Love -Official site-.
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Wong Kar-Wai from Wikipedia.org, the free encyclopedia

Ann Hui from Wikipedia -the free encyclopedia-.

Alan Tang Kwong Ming from -Wikipedia the free encyclopedia-.

Patrick Tam Kar-Ming from -Wikypedia the free encyclopedia-.

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